Pour se plonger dans le cœur de l’histoire de la peinture en France et comprendre ainsi un peu mieux les différents courants picturaux, nous avons dressé une liste non exhaustive mais chronologique des différents mouvements de la Peinture.
Du néoclassicisme à la renaissance en passant par Dali et le surréalisme, nous allons traverser l’histoire.
Notre objectif est double :
Permettre aux curieux de découvrir notre liste, et de comprendre un peu mieux les différents courants picturaux.
Puis grâce à l’effort de simplification proposé vous permettre de comprendre le style et l’époque des oeuvres que vous pouvez posséder peut être chez vous !
Nous allons partager avec vous, les connaissances acquises grâce à notre travail quotidien d'entreprise de débarras d'appartements et de maisons sur Paris et sa région.
Il est souvent compliqué de dresser un portrait complet des différents courants de l’histoire de la peinture. En effet, le fait de dessiner, peindre ou même faire de simples croquis nous pousse à remonter aux prémices de notre existence.
C’est donc sans prétention que nous dressons ici cette liste des principaux styles que vous pouvez découvrir - ou redécouvrir - et pour nourrir votre curiosité !
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Le Gothique international
"Scène de la légende de saint nicolas de Bari. Le saint soulève trois enfants placés en saumure." Gentile Da Fabriano-Huile
C’est au XIVème siècle que débute notre voyage, c’est environ entre 1380 et 1430 que le gothique international se développe. Ce courant pictural se développe rapidement dans les différentes communautés aristocratiques de l’Europe du moyen-âge.
Le mouvement international est réellement évoqué et traduit par le regroupement de plusieurs peintres européens. Des peintres comme Gentile da Fabriano, Pisanello, Jean Malouel ou encore Konrad von Soest autour d’un même répertoire artistique.
Le Gothique international se diffuse donc à grande vitesse et s’exprime dans les différents pays d’Europe sous des formes tout à fait semblables.
Comment expliquer cette unité à l’époque moyenâgeuse ?
Au 14ème siècle, la noblesse réunie dans les grandes villes cherche à asseoir son prestige et montrer sa domination sur le reste du peuple. Nul autre moyen que l’art et le mécénat.
L’art religieux arrive donc à la fin de son voyage et se trouve en “concurrence” directe avec ce style artistique qui sera par la suite aussi surnommé “art courtois”.
L’autarcie économique et idéologique du moyen-âge semble donc laisser place à un style plus ouvert sur le monde, qui par son internationalité aborde les prémices de la renaissance.
Quelles sont les caractéristiques du Gothique international ?
Les thématiques religieuses conservent leur domination même si certaines oeuvres proposent d’autres thématiques comme : La guerre, des portraits, des rassemblements.
Un style narratif : les différentes peintures et oeuvres liées au Gothique international sont très narratives, l’image capturée est simple et compréhensible.
Le symbolisme : L’église réprimande la référence à un individu particulier. Dans ce cas, les oeuvres veillent à uniquement mettre en avant des personnages religieux.
Où pouvez-vous voir et découvrir l'art Gothique ?
Il est tout à fait possible de découvrir l'art Gothique dans bon nombre de musées. L'une des références reste la visite de la ville de Cluny. Symbole de l'art gothique dans la région lyonnaise.
La renaissance
Léonard de Vinci La Joconde. (Vers 1503-1517)
La volonté de rupture avec le moyen âge donne la naissance au courant de la renaissance. Né à Florence le mouvement de la renaissance couvre une période de presque 120 ans.
De 1420 ap-JC jusqu’à 1530 il se développe majoritairement en Italie sur deux mouvements distinctifs.
Le premier mouvement aussi surnommé “Première renaissance” et le second à partir du XVIème siècle appelé “Haute renaissance”.
Cette seconde renaissance est considérée comme la continuité de la première renaissance et non pas comme un mouvement distinctif.
Comme le style Gothique il est extrêmement rare de trouver ou posséder des peintures styles renaissances chez vous. Cependant il est essentiel de connaître ce mouvement pour comprendre l’histoire de la peinture.
Quelles sont les caractéristiques de la peinture de la Renaissance ?
En peinture, la Renaissance se caractérise dans un premier temps par l’apparition de la perspective. En architecture comme un peinture, les perspectives linéaires et atmosphériques apparaissent. Ce phénomène de perspectives atmosphériques ainsi que le développement de la peinture à l’huile sont portés par Jan Van Eyck (1390-1441) ou Léonard de Vinci.
Le principe de perspectives atmosphériques consiste à peindre de manière plus flou l’arrière plan avec des couleurs moins fortes.
Léonard de Vinci va aussi inventer une technique picturale, le “Stumafo” qui consiste a peindre en enveloppant les sujets d’une ambiance vaporeuse, le peintre retire les contours du sujet, ce qui donne donc un air imprécis et une ambiance vaporeuse.
La Renaissance marque aussi la remise au centre de l’Homme. Le courant humaniste et le développement de l’imprimerie diffusent les pensées de la Renaissance. Ce courant va replacer l’homme et les questions de l’existence au centre des préoccupations des savants de l’époque.
Les peintres de la Renaissance majoritairement issus d’Italie exécutent aussi un retour aux sujets antiques.
Deux raisons de ce retour à l’antique :
Certains historiens font un lien entre la chute de Constantinople (1453) et le retour d’artistes et intellectuels en Italie. Ces derniers auraient donc ramenés avec eux des parchemins antiques.
D’autres voient ça comme un acte politique, un retour à la puissance passée et la place occupée par l’Italie.
Où pouvez-vous voir et découvrir l'art de la renaissance ?
Il est tout à fait possible de découvrir l'art de la renaissance dans bon nombre de musées. L'une des références reste la visite du chateau d'Écouen. Symbole de l'art de la Renaissance dans le val d'oise.
Le style Baroque
Annibal Carrachi La fuite en Egypte. (1603)
Diego Velasquez Les Ménines. (1656)
L’art baroque nous permet de continuer notre voyage pictural. Ce mouvement est souvent assimilé au renouveau du catholicisme.
Il se généralise cependant à l’ensemble de l’Europe y compris l’Europe protestante.
Concrètement, la peinture baroque heurte l’art de la renaissance et le maniérisme qui lui précède mais aussi avec le classicisme de la même époque.
C’est alors sous l’impulsion du peintre italien Annibal Carrache (1560 - 1609 ) que s’ouvre une brèche dans ce système fixe. Il propose de vivre la peinture non pas par le dramatisme mais par une affirmation d’un monde parfait.
Quelles sont les caractéristiques du mouvement baroque ?
Le mouvement baroque dont est issue la peinture baroque coule le long du 17ème siècle jusqu’au début du 18ème.
La particularité du mouvement baroque réside dans la capacité à décrire par la peinture le moment où l’action se produit.
De plus, le baroque donne une touche de dramatique à l’art pictural en introduisant des effets de clair obscur ainsi qu’une réalité assez impressionnante de la représentation de l’humain.
Annibal Carrache avec son oeuvre, “La fuite de l’Egypte” (1603) offre une approche différente des paysages. Des coloris clairs et gais composent ce chef-d’oeuvre.
Autre point intéressant, l’art baroque propose aussi un refus total des lignes droites, verticales et horizontales, installant donc des courbes et contre courbes.
Le Rococo
Jean-Honoré Fragonard Les Hasards heureux de l'escarpolette.
(Entre 1767 et 1769)
Le Rococo est en réalité un terme que l’on trouve pour la première fois en 1730.
Ce style fait référence au genre décoratif et pictural , tendance affirmée en France sous la régence et au début du règne de Louis XV.
Il est intéressant car il est un des premiers styles de peinture que nous pouvons retrouver dans les grands hôtels ou riches demeures parisiennes.
Nous avons décidé de parler du Rococo car bien que évoluant sur une courte période il marque une rupture totale avec l’ensemble de ce qui existe à cette période. Il traverse le siècle des lumières comme une touche de légèreté et de renouveau dans un monde en changement.
Quelles sont les caractéristiques du mouvement Rococo ?
Le rococo évolue en deux temps, dans une première phase de sa vie, à la fin du règne de Louis XIV, durant la régence et, c’est sous le règne de Louis XV que le rococo vit ses plus beaux jours.
Il assiste à la fin de la période baroque et classique aux traits lourds et aux grandes représentations.
Ainsi, il opte pour de petites représentations, pour une peinture de chevalet.
Le vert et le jaune sont mis en avant dans un style délicat et frivole.Les oeuvres produites apparaissent d’une étonnante légèreté repoussant les aspects stricts et durs des années passées.
Il se développe durant l’ensemble du règne de Louis XV et s’inspire grandement de la nature, ses couleurs, sa simplicité. Son nom lui même est tiré de la nature car dérivé de rocaille.
Il disparaît avec la révolution française en 1789 au profit du mouvement néoclassique et du romantisme. Le rococo a une réelle importance dans l’évolution de la peinture car il fait passer l’art de chevalet, la peinture que nous connaissons aujourd’hui au premier plan. De part sa forme, il forme le futur de l’art pictural.
Le romantisme
Gustave Courbet Le désespéré. Entre 1843 et 1845
Eugène Delacroix La liberté guidant le peuple. (1830)
Le Romantisme apparaît au moment de la révolution, à la fin du 18ème siècle. Il cherche à expliquer les extases, tourments et les choses inexpliquées de l’âme et de coeur.
Le romantisme est aussi une réaction au néo-classicisme dont les règles stérilisantes et brutes poussent certains artistes à réprimer leur émotions. Si l’artiste sort du cadre est il méprisé et oublié par ses contemporains.
Diffusé intégralement à travers l’Europe, le romantisme est l’art de laisser cours à ses sentiments. Admiré aujourd’hui, scandaleux à l’époque Eugène Delacroix est l’une des figures du romantisme devenu même de son vivant chef de file du mouvement romantique.
Quelles sont les caractéristiques du mouvement Romantique ?
L’explosion du moi est l'élément essentiel du romantisme. Les artistes expriment leur sentiments, ils expriment des thèmes tels que la peur, la rêverie ou encore la démence.
Le peintre fait ressentir ses émotions et cherche à interpeller son public : il livre alors une certaine représentation de la réalité. Les peintres romantiques présentent des scènes qui choquent, du massacre à la réalité.
L’époque napoléonienne en France et la révolution industrielle à travers l’europe poussent les peintres à transmettre à la population souvent mal menée une version artistique de la réalité sans pour autant la travestir ou l’adoucir.
Le contexte de l’époque explique sans grandes difficultés le besoin toujours plus fort des peintres à faire ressentir des émotions.
Le réalisme
Edouard Manet Le déjeuner sur l'herbe. (1863)
Nous entrons en pleine révolution industrielle et découvrons ensemble le réalisme. Il doit son nom à l’un des peintres les plus connus et défini comme chef de file de ce mouvement , Gustave Courbet.
Le réalisme prend ses marques en France au Royaume-uni, dans un style alternatif à l’opposition entre classicisme et romantisme. Trop souvent assimilé à une représentation simpliste et fade de la réalité le réalisme est en ce sens l’envers de sa description.
Les peintres réalistes comme Courbet, Champfleury utilisent les scènes réelles, parfois même fades pour transmettre une émotion forte et pleine de sens.
Le musée d’Orsay, écrit très justement sur son site internet: “Les intentions du peintre sont très éloignées du mimétisme photographie, sa volonté est de donner à voir une vision personnelle du réel qui se heurte parfois à l’incompréhension de ses contemporains.”
Quelles sont les caractéristiques du Réalisme ?
Le réalisme présente deux grandes caractéristiques qu’il lègue à l’histoire de la peinture.
Les grands formats
La peinture réaliste reprend les grands formats jusqu’alors réservés à la peinture d’histoire.
On y présente des scènes contemporainese sur des formats de grandes tailles. Le travail, la vie quotidienne, la nature, les paysages, le portrait puisent une force grandissante et transmettent plus d’émotions à travers ses oeuvres de grandes tailles.
L’opposition à l’idéalisation
Courbet tend à rompre avec les règles de l’académie des beaux-arts qui définissent une hiérarchie figée composée de :
Peinture d’histoire
Portrait
Scène de genre
Paysage
Nature morte
Il rompt avec ces règles et établit une devise simple qui restera la sienne: “Il faut savoir pour pouvoirr”. Il propose donc des scènes de la vie courante plutôt qu’une idéalisation fictive de scènes inconnues.
L'école de Fontainebleau où le chemin vers l'impressionnisme
Jean-François Millet Des glaneuses. (1857)
Quelles sont les caractéristiques de l'école de Fontainebleau ?
Dès la fin du 17eme siècle déjà , la Forêt de Fontainebleau est le lieu idéal pour la représentation des grandes chasses royales.
Le célèbre tableau "Louis XIV à la chasse à Fontainebleau" – vers 1669 - du peintre flamand Adam Frans Van der Meulen est à ce titre une œuvre de référence.
Plus tard, Jean Baptiste Oudry (1686 – 1755) spécialiste de la peinture animalière produira de nombreuses scènes sylvestres et animalières dont le tableau le plus connu est sans doute "cerf aux abois dans les rochers de Franchard, foret de Fontainebleau".
C'est ainsi qu'au début du 19eme siècle, bon nombre de peintres se laissent convaincre du caractère bénéfique d'une étude directe de la nature.
Dès lors , la préparation du concours du Grand prix de paysage de Rome en 1830 entraîne les artistes dans le courant néo classique qui privilégie donc la peinture en plein air et trouve dans ce milieu extrêmement préservé des possibilités infinies de pratiquer leur art .
Le paysage naturel est alors un motif à part entière et la foret de Fontainebleau par ses multiples sites et sujets en devient le théâtre idéal : la page du mouvement romantisme est définitivement tournée.
Vers 1850–1860 , Jean Baptiste Millet, Camille Corot, Théodore Rousseau font découvrir des scènes naturelles imposant sans contestation un mouvement qui allait marquer le 19eme siècle.
Puis colonisant la ville de Barbizon, bon nombre d'artistes viendront s'y installer .
On estime ainsi que 900 peintres se sont succédé dans la région de Fontainebleau à qui l'on attribue la réalisation d'environ 2000 tableaux qui restent aujourd'hui encore l'illustration parfaite du "paysage moderne" .
A partir de 1865 , certains artistes - Monet, Renoir, sysley, Bazille, pour ne citer qu'eux, souscriront au début de leur carrière à cette peinture très réaliste.
Mais lentement, la révolution de l'impressionnisme se met alors en marche .
L’impressionnisme
Claude Monet Impression soleil levant. (1874)
Auguste Renoir Le déjeuner des Canotiers. (1881)
Le courant impressionniste né à la fin du 19eme siècle est surement le plus connu par le grand public, et surtout le plus apprécié.
Intéressant ce courant impressionnisteL mis presque 30 ans à être admis comme tel par les contemporains des génies de l’époque que sont Manet, Renoir, Cezanne…
Louis Leroy, journaliste critique de l’époque va définir sans le vouloir le nom de ce courant pictural. Lors d’une réunion chez le photographe Nadar, ils inventent une sorte de réunion des différents génies qui composent le mouvement, Leroy décide alors pour les railler de s’y inviter.
L’art impressionniste est considéré comme le pilier de la peinture contemporaine par les jeux de couleurs et de lumières. Chacun y va de son ressenti et de sa particularité ce qui offre une ébauche de ce qu’est aujourd’hui la peinture moderne.
Quelles sont les caractéristiques du courant Impressionniste ?
L’impressionnisme offre une nouveauté sur le jeu de couleur. En effet, les peintres de l’époque prennent le parti de ne pas mélanger les couleurs mais de les juxtaposer via de petites touches. Ce qui rappelle la spontanéité de l’art impressionniste.
La période du courant impressionniste offre aussi une révolution matérielle avec l’apparition de chevalets en bois plus légers et de tubes de peintures qui permettent alors aux peintres et artistes de sortir de leur atelier.
Ils offrent une version différente de la réalité par la mise en lumière du mouvement, on utilise alors l’expression vibration ou jeux de lumières.
Le cubisme
Pablo Picasso Guernica. (1937)
Georges Braque Violon et Bougie. (1910)
Le cubisme, mouvement du début du XXème siècle est l’expression même d’une disruption profonde liée à deux génies que sont Georges Braque et Pablo Picasso.
C’est une nouvelle façon d’aborder le monde et de voir les choses, un mélange intriguant et intéressant entre rupture des traditions occidentales et redécouverte des arts primitifs.
Les peintres appartenant à ce mouvement introduisent une fragmentation dans la peinture et créent l’art en deux dimensions.
On distingue trois types de cubisme, le cubisme cézanien, le cubisme analytique et le cubisme synthétique. Bien que très court, nous avons décidé de parler de ce phénomène qu’est le cubisme.
Quelles sont les caractéristiques du Cubisme ?
Le début du mouvement, le cubisme Cézannien comme son nom l’indique s’inspire de Cézanne. Cézanne qui a inspiré largement Georges Braque et Picasso, était intéressé par la simplification des formes naturelles par leurs formes géométriques.
Picasso et Braque vont donc suivre cette voie et tenter de représenter l’objet tel qu’il est avec des formes géométriques. Montrer ce que l’on sait sous toutes ses formes géométriques. Traduire une certaine vérité graphique de l’objet et de la forme. Il souhaitait traiter la nature par les formes telles que , cylindre, sphère et autre cones.
Ses recherches se sont traduites par une perception de la profondeur et une connaissance approfondie de l’espace. Il impose ainsi une des plus profonde révolution artistique du siècle dernier, les courants artistiques modernes s’inspirant grandement de ces travaux de recherches.
Les peintres du courant du cubisme perdent peu à peu la visibilité de l’objet et la compréhension par le public de ce qu’ils réalisent, pour y remédier ils finiront pas introduire des objets réels afin de permettre la reconnaissance de l’objet. On peut y noter aussi un certain lien avec l’Afrique et L’Egypte, par la forme et l’époque, c’est le temps de l’exotisme pour les européens.
Le surréalisme
Salvator Dali La persistance de la mémoire. (1931)
Le surréalisme né en 1924, élement essentiel de ce que l’on nomme aujourd’hui l’art moderne. André Breton décide alors de séparer le mouvement dada ce mouvement artistique qu’il nomme “surréalisme”.
Comme le dadaïsme, c’est une révolte contre l’art pour l’art, prenant compte de la découverte de la psychanalyse et du rôle du rêve dans la création artistique.
On retrouve aussi des traces chez Dali par exemple d’influences futuriste, métaphysique et cubiste. Il prône une vision libre et sans limites, un art libéré de contraintes, de règles qui cherchent à illustrer l’inexplicable et le subconscient. Nombreux sont ceux qui se joignent au mouvement tel que Dali, Ernst, Ray ou encore Miro.
Quelles sont les caractéristiques du Surréalisme ?
La peinture du courant surréaliste est une peinture de l’expression sans limites et de la découverte de la psychanalyse. Illustrer l’inexplicable, illustrer les rêves et interpréter l’inconscient. Les peintres de l’époque vont y voir une nouvelle possibilité d’expression picturale et mettent en scène leurs rêves sur la toile.
Les tableaux des différents artistes du surréalisme sont l’expression pure et simple par le biais artistique du rêve. Les oeuvres sont souvent complexes et nous plongent rapidement dans un abîme de pensées et de tourments.
Le pop Art
Andy Warhol Eight Elvises. (1963)
Le pop art est un courant pictural du milieu des années 50, nous avons décidé de terminer cet article avec ce mouvement atypique et étonnant qu’est le courant Pop Art.
Le Pop Art fait partie des mouvements principaux du 20ème siècle, l’intérêt de ce courant réside dans l’interprétation et l’attitude de l’oeuvre plus que par son contenu lui même.
Il se développe au Royaume Uni puis s’étend jusqu’aux USA avec les icônes que nous lui connaissons telles que Andy Warhol, Roy Lichtenstein ou encore Richard Hamilton.
Quelles sont les caractéristiques du Pop Art ?
Bien que constaté à ses débuts, cet art nouveau utilise les objets de la vie quotidienne, les éléments de la culture moderne et populaire. L’idée principale du mouvement est de sortir l’objet commun de son contexte de base.
Tout y passe, publicité, bandes dessinées, objets culturels, stars et personnages célèbres. Le Pop Art est l’expression du subconscient de la société moderne.
Certains artistes ou oeuvres réalisées ne se cachent pas d’être compliqués à comprendre. Il se caractérise par l’utilisation de techniques tirées de la culture populaire et d’une visualisation différée des choses de la vie quotidienne.